RESEÑA Voces de lucha y poesía en la literatura mexicana de Magdalena Mondragón, por Nadia Contreras

 

Magdalena Mondragón (1913-1989) fue una escritora y periodista mexicana que abrió camino en diversos ámbitos del periodismo y la literatura. Desde muy joven mostró un gran interés por las letras, comenzando su carrera a los 14 años en El Siglo de Torreón. Fue la primera mujer en dirigir un periódico en Latinoamérica y colaboró en medios como Prensa Gráfica, Sólo para Ellas y el Boletín Cultural Mexicano. Su labor estuvo marcada por un fuerte compromiso social y una constante lucha por la justicia, lo que se reflejó en sus crónicas, reportajes y ensayos. Además, dirigió el Centro Cultural Vito Alessio Robles, un espacio que ofrecía educación gratuita a niños de escasos recursos.

 

Como escritora, incursionó en distintos géneros, desde la poesía y el teatro hasta la novela, siempre con un enfoque centrado en las problemáticas sociales. Su obra incluye novelas como Yo, como pobre (1945), que retrata la vida en los basureros y fue premiada en Nueva York, y Más allá existe la tierra (1947), que José Vasconcelos elogió por su realismo social. También escribió teatro, con piezas como La sirena que llevaba el mar y Cuando Eva se vuelve Adán, en las que cuestionó los roles de género y el papel de la mujer en la sociedad. Aunque su poesía es menos conocida, exploraba temas como el amor, la soledad y la muerte, con un estilo depurado y un ritmo musical que reflejaba su sensibilidad artística.

 

Magdalena Mondragón ha sido relegada en el canon literario mexicano, en parte debido a los prejuicios de su época hacia las escritoras. Sin embargo, su producción es testimonio de una voz valiente y comprometida, que abordó las desigualdades con crudeza y humanidad. Su estilo se caracterizó por su expresividad y su compromiso con la realidad social. Aunque muchas de sus publicaciones están agotadas, su legado sigue vigente y su revalorización permitiría darle el reconocimiento que merece en la historia de la literatura y el periodismo en México.

 

En su narrativa, la crítica social es un eje central. Sus novelas retratan la lucha de los sectores más vulnerables contra la pobreza y la injusticia. Sus personajes, marcados por la desigualdad, buscan un destino mejor en historias que combinan el realismo con la denuncia social. Su prosa, directa y emotiva, refleja la cotidianidad con un sentido de urgencia y un profundo compromiso con la verdad. Obras como Yo, como pobre y Más allá existe la tierra son un testimonio de su interés por plasmar la realidad con un enfoque humanista, lo que le valió el reconocimiento de la crítica de su tiempo.

 

El teatro fue otro espacio donde Mondragón dejó huella. Sus obras no solo exploraron la condición femenina, sino también temas de identidad y transformación social. En Cuando Eva se vuelve Adán, por ejemplo, desafió los roles de género tradicionales, mientras que en La sirena que llevaba el mar utilizó el simbolismo y la fantasía para plantear reflexiones filosóficas. Su dramaturgia se destacó por su innovación y crítica social, con diálogos ágiles y una gran intensidad emocional. Aunque su teatro ha tenido poca difusión, su aportación sigue siendo un referente en la evolución del drama mexicano del siglo XX.

 

La poesía de Mondragón, menos difundida que su prosa, es una de las expresiones más profundas de su obra, tal vez como sus pinturas. Su escritura plasma tanto la fragilidad como la fortaleza del ser humano. En ella, se percibe una constante búsqueda de la voz femenina en una sociedad que solía silenciar a las mujeres, lo que la convierte en una precursora del feminismo literario en México. Combina el verso libre con estructuras clásicas, como los endecasílabos y los alejandrinos, demostrando un dominio del ritmo. Utiliza encabalgamientos y pausas internas para generar musicalidad y reforzar la carga emotiva de sus versos. Sus versos fluyen de manera orgánica, guiando al lector en un viaje emocional que transita de lo introspectivo a lo expansivo. La alternancia entre poemas breves y extensos crea un ritmo dinámico, evitando la monotonía y manteniendo el interés. Mondragón logra un equilibrio entre la tristeza y la esperanza, dando a su obra una cadencia que enriquece la experiencia del lector.

 

Exploremos algunos de los recursos estilísticos en la poesía de Mondragón que la hacen tan fascinante. El ritmo de su poesía varía entre lo pausado y lo dinámico, alternando momentos de reflexión con otros de urgencia, a través de una rápida sucesión de imágenes. Este control del ritmo destaca en su escritura. Además, la repetición de palabras, estructuras o el uso de la anáfora refuerza tanto la musicalidad como la intensidad emocional, como en: “No me dejes, amor, que estoy soñando / en una eternidad que sé que existe, / al tomarme la mano entre las tuyas, / al contemplar tus ojos, al mirarme / de tu pensar en mí, que se hace verbo, / carne hecha luz, que enmudeció mi boca”.

 

La unión entre lo físico y lo espiritual, entre la presencia y la ausencia, se expresa con una melancolía profunda que abarca todo el poema. Leamos: “Dulce es amar que el corazón tendido / tiene en sus alas el plumaje abierto; / y cielo y corazón abrigan nido / del soñar en tu ser con ritmo cierto. / Es forzoso llevarte entre mis venas / como sangre que corre y se detiene; / siempre pensando en ti conmigo penas / y encuentras soledad que me sostiene / del cielo azul en tristes lejanías...”

 

Hay una constante tensión entre lo efímero y lo eterno, lo que se percibe en la impermanencia de las experiencias y los sentimientos que intenta retener. La repetición de imágenes, como las de la respiración y la conexión con la naturaleza, sugiere una búsqueda de continuidad más allá de la temporalidad, un anhelo de lo eterno a través de lo fugaz. Visualmente, su poesía está llena de imágenes sensoriales que evocan color y textura. Usa la luz y la sombra para crear contrastes emocionales, y el color para enfatizar sentimientos. En versos como: “¡Que me bajen la luna, para incendiarla! / Pirotecnia en colores habrá en el cielo. / Que me baile la muerte sobre los hombros / mientras tocan las risas de mis charangas. / ¿Bajarásme la luna para incendiarla? / Sol será de la noche mi cuerpo todo / consumido en el fuego de tanto amarla. / Por su color de muerte que todos vernos, / que me bajen la luna, ¡para quemarla!”

 

El uso del color no solo refleja el deseo y la pasión, sino también el dolor y la fatalidad. El color de la luna, que se asocia con la muerte, se convierte en un símbolo de la lucha interna entre el amor y la destrucción. La imagen de “incendiarla” no es solo una metáfora de una pasión desenfrenada, sino también de una tragedia que se consume a través del fuego, un elemento que representa tanto la purificación como la desintegración. Además, el contraste entre la luz de la luna y el fuego que la consume refleja una dicotomía fundamental en la poesía de Mondragón: el amor, en su forma más ardiente, puede ser tanto creador como destructor. La referencia al sol y la luna también evoca el ciclo natural y el paso del tiempo, donde la luz y la oscuridad, el día y la noche, se entrelazan para hablar de la efimeridad y la permanencia del sentimiento amoroso.

 

Otro elemento recurrente es la noche, con sus estrellas y su luna, que representan la introspección y la soledad. El tono oscila entre la exaltación del amor y la desesperanza por la ausencia del ser amado, como se aprecia en “Destrozo el corazón por olvidarte, / todo el amor que pude y quise darte / se me convierte en llama perturbada.” En Canciones del espíritu, Mondragón nos presenta un recorrido lírico por el amor y la trascendencia del alma, utilizando un lenguaje poético cargado de metáforas y simbolismos que invitan a la reflexión. A través de versos como “Te amo tanto / que ignoro por qué / te recuerdo cada día” y “sin embargo él vive tanto en mí / que no lo siento. Cuando lo extrañe”, la autora expresa un amor profundo y casi incomprensible, que trasciende las fronteras del cuerpo físico. La imagen recurrente de la separación entre el cuerpo y el alma, como en la estrofa que dice “Veo a las rosas ascender sobre la tierra / como a mi espíritu de mi cuerpo”, simboliza la constante lucha entre lo finito y lo eterno. La naturaleza de este amor se muestra también en las imágenes evocadoras como la del viento que llevará el polvo de la tierra hasta el cielo, una metáfora del espíritu que trasciende la vida terrenal: “todo es polvo fino / que llevará el viento / en viaje por el mundo / hasta llegar al cielo”.

 

Estaciones de amor para mi ciudad, en su primera estación, “Torreón”, el poema nos invita a sumergirnos en la ciudad como un ente viviente, comparando la ciudad con “un niño de barro” que ofrece la vitalidad de sus campos y la pureza de su paisaje. La autora emplea imágenes poderosas como “cirios para velar mi vieja muerte” y “el fuego de los leños de tus árboles” para transmitir una conexión espiritual con la tierra y el paso del tiempo. La referencia al Nazas, río emblemático de la región, y la mención de la lucha de los hombres en la siembra refuerzan la relación entre el trabajo arduo de la ciudad y su esencia misma. La repetición de “Torreón” al inicio de los versos da un carácter de invocación, estableciendo un vínculo casi místico entre el hablante lírico y el lugar. A través de esta personificación de la ciudad, Mondragón no solo celebra la tierra, sino también la vida cotidiana de sus habitantes, mostrando la “grandeza heroica” del pueblo, cuya historia no está escrita en libros, sino en su resistencia y labor.

 

En la segunda estación, “Girasol del ensueño”, la autora continúa explorando los recuerdos, el dolor y la esperanza en el contexto de su ciudad y su relación con el paso del tiempo. El poema utiliza metáforas como “girasol del ensueño” y “pájaro del silencio conmovido” para ilustrar la transformación del dolor en algo sublime y lleno de belleza. La imagen del “agua de mi cuerpo” como un “oasis del desierto” refleja la lucha interna entre la nostalgia y la resiliencia. La presencia de los “huesos de mis muertos” que acompañan al hablante subraya la conexión entre la vida y la muerte, mientras que la fuerza del “rubí de mi sangre coagulada” alude a la persistencia de la vida incluso frente a la ausencia y el sufrimiento. Al final, la mariposa, con sus “alas abiertas como dos corales,” simboliza la transformación, el renacimiento y la belleza que emerge del dolor.

 

La poesía de Magdalena Mondragón es una contribución valiosa a la literatura mexicana, no solo por su riqueza estilística, sino por su profundidad emocional. Su capacidad para equilibrar la nostalgia con la esperanza da a sus poemas una resonancia única. A través de una expresión personal e íntima, logra conectar con experiencias universales, convirtiendo su obra en una lectura imprescindible para quienes buscan una poesía que no solo se lea, sino que se sienta y se viva.

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